Un documental está llenando des de hace semanas las salas de cine de Manhattan. Se trata de "Valentino, The Last Emperor", una producción que nos narra el último año de Valentino como miembro de la ya desaparecida liga de los grandes couturiers. El documental no solamente nos explica el fin de una era en el mundo de la moda sinó que las camaras se adentran en la vida privada de Valentino y de su compañero empresarial, Giancarlo Giametti.
"Valentino, The Last Emperor" es un gran documental, tierno, divertido (por supuesto, las tetas de Nati Abascal tienen un gran protagonismo) y es un documento histórico para recordarnos como ha cambiado el mundo de la moda: de la libertat de diseñar los vestidos de las grandes damas ejempleficiadas con Jacqueline Kennedy hemos pasado a que las grandes marcas sean solamente un peón en el mundo empresarial, a merced de los grupos inversionistas.
Aquí os dejo con el trailer. Si llega a España, no se lo pierdan.
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5/09/2009
3/11/2009
The Class - Gomorrah
En los cines de Nueva York han llegado dos películas europeas pequeñas. "Gomorrah" es una película seca que habla en presente de la mafia asentada en Nápoles mientras que "The Class" lo hace en un suburbio de París centrándose en la vida y los problemas de un profesor de secundaria.
Es imposible no relacionar estas dos películas sin hacer referencia a un personaje, a uno de los pilares de nuestra cultura contemporánea, como es Roberto Rossellini. El director italiano no solamente nos enseñó a mirar el cine de otra forma (como diría Ozu: "debemos lavarnos los ojos y aprender a mirar de nuevo") sino que a través de sus películas y sus escritos ("Un espíritu libre No debe aprender como un esclavo") nos avisó de la importancia del ciclo educativo en la vida del ser humano.
Ver estas dos películas en un intérvalo de dos días me ha hecho abrir una reflexión acerca del cine español: ¿por qué es tan díficil que nuestro cine nos hable en presente? Por qué el llamado cine social español encabezado por Fernando León de Aranoa no llega nunca a transmitir esta visión de lo real a secas? Porqué nadie tiene el valor de hablar de los problemas de la inmigración, del crimen, de la especulación inmobiliaria que se vive España? Incapaz de ofrecernos esta nueva visión, los españoles debemos contentarnos a revisitar la antigua Grecia de la mano de Alejandro Amenábar... Esto si que es cine contemporáneo.
The Class
Gomorrah
Es imposible no relacionar estas dos películas sin hacer referencia a un personaje, a uno de los pilares de nuestra cultura contemporánea, como es Roberto Rossellini. El director italiano no solamente nos enseñó a mirar el cine de otra forma (como diría Ozu: "debemos lavarnos los ojos y aprender a mirar de nuevo") sino que a través de sus películas y sus escritos ("Un espíritu libre No debe aprender como un esclavo") nos avisó de la importancia del ciclo educativo en la vida del ser humano.
Ver estas dos películas en un intérvalo de dos días me ha hecho abrir una reflexión acerca del cine español: ¿por qué es tan díficil que nuestro cine nos hable en presente? Por qué el llamado cine social español encabezado por Fernando León de Aranoa no llega nunca a transmitir esta visión de lo real a secas? Porqué nadie tiene el valor de hablar de los problemas de la inmigración, del crimen, de la especulación inmobiliaria que se vive España? Incapaz de ofrecernos esta nueva visión, los españoles debemos contentarnos a revisitar la antigua Grecia de la mano de Alejandro Amenábar... Esto si que es cine contemporáneo.
The Class
Gomorrah
12/29/2008
Lo mejor de 2009
La mejor canción
Viva la Vida - Coldplay
La segunda mejor canción
Paper Planes - M.I.A
Mejor VideoClip
"My Drive Through", Converse by N.E.R.D., Santogold and Julian Casablancas, produced by Pharrell
Mejor película
"Encounters at the End of the World", Werner Herzog
Mejor película (II)
"The Reader", Stephen Daldry
Mejor película (III)
"Slumdog Millionaire", Danny Boyle
Mejor película (IV)
"Milk", Gus Van Sant
Mejor Musical
"Gipsy"
Mejor Serie de Televisión
"Fringe", J.J. Abrahms
Mejor Momento Televisivo
Katie Couric entrevistando a la candidata a VicePresidente, Sarah Palin
Mejor Momento Televisivo (II)
Tina Fey interpretando a Sarah Palin en "Saturday Night Live"
Momento político
Discurso de Obama tras las elecciones
Mejor Libro
"Reborn", Susan Sontag
Mejor Edificio
Bird´s Nest - Herzog & Meuron - Beijing
Mejor Edificio (España)
CaixaForum - Herzog & Meuron - Madrid
Viva la Vida - Coldplay
La segunda mejor canción
Paper Planes - M.I.A
Mejor VideoClip
"My Drive Through", Converse by N.E.R.D., Santogold and Julian Casablancas, produced by Pharrell
Mejor película
"Encounters at the End of the World", Werner Herzog
Mejor película (II)
"The Reader", Stephen Daldry
Mejor película (III)
"Slumdog Millionaire", Danny Boyle
Mejor película (IV)
"Milk", Gus Van Sant
Mejor Musical
"Gipsy"
Mejor Serie de Televisión
"Fringe", J.J. Abrahms
Mejor Momento Televisivo
Katie Couric entrevistando a la candidata a VicePresidente, Sarah Palin
Mejor Momento Televisivo (II)
Tina Fey interpretando a Sarah Palin en "Saturday Night Live"
Momento político
Discurso de Obama tras las elecciones
Mejor Libro
"Reborn", Susan Sontag
Mejor Edificio
Bird´s Nest - Herzog & Meuron - Beijing
Mejor Edificio (España)
CaixaForum - Herzog & Meuron - Madrid
8/24/2008
Teaser 1: Vicky, Cristina, Barcelona
Bueno, hoy he ido a ver la última película de Woody Allen y estoy emocionado. La película es esplendida....
Son las 2.37 de la noche y no me da tiempo para escribir la crítica pero simplemente diré que ya está bien que los españoles/catalanes hagamos el ridículo criticando sin sentido. La peli de Woody Allen es buena, muy buena... pero claro... como todos criticamos que si el Ayuntamiento de Barcelona dio dinero, que si la Generalitat hizo el rídiculo, que si Woody Allen simplemente retrata lugares turísticos de la ciudad, etc.... Lo diré claro y de manera vulgar: todo esto me la "suda" después de haber visto esta película y de haber escuchado los aplausos del público americano en un multicines de Times Square.
Mañana habrá crónica de la peli, esto simplemente es un teaser.
Son las 2.37 de la noche y no me da tiempo para escribir la crítica pero simplemente diré que ya está bien que los españoles/catalanes hagamos el ridículo criticando sin sentido. La peli de Woody Allen es buena, muy buena... pero claro... como todos criticamos que si el Ayuntamiento de Barcelona dio dinero, que si la Generalitat hizo el rídiculo, que si Woody Allen simplemente retrata lugares turísticos de la ciudad, etc.... Lo diré claro y de manera vulgar: todo esto me la "suda" después de haber visto esta película y de haber escuchado los aplausos del público americano en un multicines de Times Square.
Mañana habrá crónica de la peli, esto simplemente es un teaser.
7/11/2008
El Valor Expresivo De Un Silencio
Señores y señoras, en una semana me he ventilado la trilogía de "El Padrino". No me extenderé en explicar lo extraordinaria que es esta trilogía. Yo quiero centrarme en una de sus secuencias más famosos.
Robert Bresson dijo que tuvo que llegar el sonido para descubrir el valor del silencio. Pues bien Coppola aquí nos lo demuestra en esta maravillosa secuencia. Al Corleone le matan la hija en las escaleras de la Ópera de Palermo. Al Pacino grita pero la voz no le sale (mejor dicho, Coppola la quita en la sala de montaje) y el espectador sigue escuchando en primer plano "Caballería Rusticana" hasta que, por sorpresa, el editor musical saca el "mute" del canal y deja escuchar a la audiencia, el grito descorazonado de Pacino.
Lo interesante de esta secuencia es como algo artificial, fuera de las convenciones clásicas del sonido directo, nos emociona. El espectador, aun sabiendo que está manipulado, llega a entender el dolor de Pacino a través de un recurso tan artificial como es el silencio en el si de una película sonora.
Y hablando de recursos artificiales y de muerte, esa secuencia de "El Padrino III" me recordó la de "Todo Sobre Mi Madre" cuando Manuela (Cecilia Roth) recoge del suelo el cuerpo sin vida de su hijo Esteban. Aquí Almodóvar no deja en silencio a la Roth sinó que rompe la sincro entre vídeo y sonido. Manuela grita, pero lo que el espectador oye no es lo que ve en la pantalla.
Y es que a veces, ser artificial es la mejor manera para ser plenamente natural.
Robert Bresson dijo que tuvo que llegar el sonido para descubrir el valor del silencio. Pues bien Coppola aquí nos lo demuestra en esta maravillosa secuencia. Al Corleone le matan la hija en las escaleras de la Ópera de Palermo. Al Pacino grita pero la voz no le sale (mejor dicho, Coppola la quita en la sala de montaje) y el espectador sigue escuchando en primer plano "Caballería Rusticana" hasta que, por sorpresa, el editor musical saca el "mute" del canal y deja escuchar a la audiencia, el grito descorazonado de Pacino.
Lo interesante de esta secuencia es como algo artificial, fuera de las convenciones clásicas del sonido directo, nos emociona. El espectador, aun sabiendo que está manipulado, llega a entender el dolor de Pacino a través de un recurso tan artificial como es el silencio en el si de una película sonora.
Y hablando de recursos artificiales y de muerte, esa secuencia de "El Padrino III" me recordó la de "Todo Sobre Mi Madre" cuando Manuela (Cecilia Roth) recoge del suelo el cuerpo sin vida de su hijo Esteban. Aquí Almodóvar no deja en silencio a la Roth sinó que rompe la sincro entre vídeo y sonido. Manuela grita, pero lo que el espectador oye no es lo que ve en la pantalla.
Y es que a veces, ser artificial es la mejor manera para ser plenamente natural.
6/10/2008
Marcelino Pan y Vino
La memoria es frágil y los prejuicios muchas veces nos acaban por corromper. En mi memoria guardaba "Marcelino Pan y Vino" como una película franquista, un film que defendía una moral ultra-católica y que usaba la historia de este joven muchacho adoptado por una comunidad franciscana para adoctrinar a una nueva-vieja España.
Por eso me sorprendió que mi amiga Elvi me recomendara volver a ver esta película. Creo recordar que la última vez que vi esta producción fue en mi colegio en el último día de clases antes del parón de la Semana Santa. Pues bien, diez años más tarde creo que he visto una nueva película.
Diez años no son muchos pero reencontrarme con este film hizo que me enfrentara a un otro yo que tenía ya olvidado. Lo diré sin tapujos: "Marcelino Pan y Vino" es una auténtica obra maestra que debería figurar alto en los ránquings que anualmente realizan los integrantes de la Real Academia de las Ciencias Cinematográficas.
En "Marcelino Pan y Vino" uno encuentra momentos que harían las delicias a los seguidores del neo-realismo italiano (Rossellini vino en mente con su "Francesco, Giullare de Dio" o Vittorio de Sica), a los fans del cine nórdico (dicen que Dreyer fue el cineasta que mejor supo trasladar en escena un miráculo en la película "Ordett"... pues yo me quedo con la sensibilidad de Ladislao Vajda), e incluso del cine de terror (Elvi dice que le recuerda a las primeras películas de "Frankenstein" en las que el niño se encuentra con el Monstruo...)
Diez años no son nada, pero en diez años uno está empezando a quitarse de encima los juicios premeditados. A "lavarse los ojos y volver a mirar" como diría el maestro Ozu. Y yo que veo "Marcelino Pan y Vino" y me entran ganas de volver a mirar "El espíritu de la Colmena" y "El laberinto del Fauno". Tres películas que nos hablan de una historia de España y de como un niño se ve forzado a usar la imaginación para conseguir una cierta libertad infantil y olvidarse del entorno opresor que lo rodea.
Por eso me sorprendió que mi amiga Elvi me recomendara volver a ver esta película. Creo recordar que la última vez que vi esta producción fue en mi colegio en el último día de clases antes del parón de la Semana Santa. Pues bien, diez años más tarde creo que he visto una nueva película.
Diez años no son muchos pero reencontrarme con este film hizo que me enfrentara a un otro yo que tenía ya olvidado. Lo diré sin tapujos: "Marcelino Pan y Vino" es una auténtica obra maestra que debería figurar alto en los ránquings que anualmente realizan los integrantes de la Real Academia de las Ciencias Cinematográficas.
En "Marcelino Pan y Vino" uno encuentra momentos que harían las delicias a los seguidores del neo-realismo italiano (Rossellini vino en mente con su "Francesco, Giullare de Dio" o Vittorio de Sica), a los fans del cine nórdico (dicen que Dreyer fue el cineasta que mejor supo trasladar en escena un miráculo en la película "Ordett"... pues yo me quedo con la sensibilidad de Ladislao Vajda), e incluso del cine de terror (Elvi dice que le recuerda a las primeras películas de "Frankenstein" en las que el niño se encuentra con el Monstruo...)
Diez años no son nada, pero en diez años uno está empezando a quitarse de encima los juicios premeditados. A "lavarse los ojos y volver a mirar" como diría el maestro Ozu. Y yo que veo "Marcelino Pan y Vino" y me entran ganas de volver a mirar "El espíritu de la Colmena" y "El laberinto del Fauno". Tres películas que nos hablan de una historia de España y de como un niño se ve forzado a usar la imaginación para conseguir una cierta libertad infantil y olvidarse del entorno opresor que lo rodea.
4/25/2008
Post 599: La Luz Prodigiosa
Mi profesor de banda sonora en la universidad de Barcelona, Conrado Xalabarder, (por cierto, el mejor profesor que nunca he tenido) habló un día de esta canción de Ennio Morricone a la que Dulce Pontes ponía su voz. Forma parte de la banda sonora de una película española llamada "La Luz Prodigiosa"
Precisamente esta canción cierra el CD que ambos artistas publicaron hace unos cinco años. Un CD, del que creo que no soy el único fan. (Eh Jose?)
Precisamente esta canción cierra el CD que ambos artistas publicaron hace unos cinco años. Un CD, del que creo que no soy el único fan. (Eh Jose?)
4/13/2008
She Wore a Yellow Ribbon * La Legión Invencible
Ayer volví a ver "She Wore a Yellow Ribbon", en España: "La Legión Invencible" del maestro John Ford. El director americano decía que "no me pregunten más, yo solamente hago westerns"... pero detrás de esta declaración y detrás de este hombre se esconde uno de los directores de cine más imprescindibles de la historia.
Sorprende como el "Western", un género tan típicamente americano (que compite con su "americanidad" con los "anuncios") tenga casi siempre un clima de melancolía cuando tratan de algo glorioso, de la conquista del oeste, de la formación de los Estados Unidos.
"La Legión Invencible" la protagoniza John Waye (¿sorpresa?), quien interpreta a Nathan, un miembro del Army que le quedan 6 días para jubilarse. Viendo esta película uno puede ver un extraordinario ejemplo del qué implica jubilarse, un retrato extraordinario de las consecuencias del paso del tiempo. En otras palabras: de la gloria de los años perdida.
La película se estrenó en 1948 y podría situarse dentro de la corriente "Manerista" que sacudió Hollywood en los años 50. Esta época fue caracterizada por la idea del "fin", en esta década, la mayoría de directores que pusieron el nombre de Hollywood en las estrellas, llegaban a su vejez y trasladaban en el celuloide las marcas del paso del tiempo. Douglas Sirk sería el paradigma del director manierista pero este estilo se puede encontrar en muchos otros como Hitchcock o John Ford.
¿Hitchcock o Ford? En esta maravillosa secuencia de "She Wore a Yellow Ribbon" uno puede ver como el manierismo puede unir a dos directores. Es Ford pero visualmente parecen dos planos salidos de las películas "Psicosis" y "Vértigo"
Sorprende como el "Western", un género tan típicamente americano (que compite con su "americanidad" con los "anuncios") tenga casi siempre un clima de melancolía cuando tratan de algo glorioso, de la conquista del oeste, de la formación de los Estados Unidos.
"La Legión Invencible" la protagoniza John Waye (¿sorpresa?), quien interpreta a Nathan, un miembro del Army que le quedan 6 días para jubilarse. Viendo esta película uno puede ver un extraordinario ejemplo del qué implica jubilarse, un retrato extraordinario de las consecuencias del paso del tiempo. En otras palabras: de la gloria de los años perdida.
La película se estrenó en 1948 y podría situarse dentro de la corriente "Manerista" que sacudió Hollywood en los años 50. Esta época fue caracterizada por la idea del "fin", en esta década, la mayoría de directores que pusieron el nombre de Hollywood en las estrellas, llegaban a su vejez y trasladaban en el celuloide las marcas del paso del tiempo. Douglas Sirk sería el paradigma del director manierista pero este estilo se puede encontrar en muchos otros como Hitchcock o John Ford.
¿Hitchcock o Ford? En esta maravillosa secuencia de "She Wore a Yellow Ribbon" uno puede ver como el manierismo puede unir a dos directores. Es Ford pero visualmente parecen dos planos salidos de las películas "Psicosis" y "Vértigo"
2/19/2008
Kyle Cooper
Kyle Cooper saltó a la fama grácias al diseño de los títulos de crédito de la película "se7en" y su particular tratamiento tipográfico allí realizado marcó una época.
Más adelante le vendrían cientos de trabajos: "La Isla del Doctor Moureau", "Flubber", "La Momia", "Godzilla", "Scarface", "Across the Universe", etc....
Hoy quiero fijarme en los créditos de "SpiderMan2"...
Y como decía Gaudí: "ser original consiste en volver a los orígenes"... Y a mi que me parece que Cooper hizo un homenaje pasado por el filtro deconstructivista Derridiano al padre de todos los diseñadores, Saul Bass, con los títulos de crédito de la magistral "North by Northwest"...
Más adelante le vendrían cientos de trabajos: "La Isla del Doctor Moureau", "Flubber", "La Momia", "Godzilla", "Scarface", "Across the Universe", etc....
Hoy quiero fijarme en los créditos de "SpiderMan2"...
Y como decía Gaudí: "ser original consiste en volver a los orígenes"... Y a mi que me parece que Cooper hizo un homenaje pasado por el filtro deconstructivista Derridiano al padre de todos los diseñadores, Saul Bass, con los títulos de crédito de la magistral "North by Northwest"...
2/08/2008
El Silencio Antes de Bach
Una de las frases más usadas por los profesores de teoría del cine es una atribuída al cineasta francés Robert Bresson quien dijo una vez que "tuvo que llegar el sonido para descubrir el valor del silencio". Pues bien, después de ver la magnífica película de Pere Portabella "El Silencio Antes de Bach" en el Film Forum de Nueva York uno se pregunta como debían ser los silencios musicales antes que el señor Bach apareciera.
Pere Portabella junto con Carles Santos y Xavier Albertí se plantean en esta producción catalano-alemana como plasmar estos silencios de Bach en el celuloide... y lo hacen de una manera muy sutil, llena de poesía visual como en este bellísimo momento grabado en el metro de Barcelona...
... o en este otro donde la música nos hace conectar dos imágenes que no tienen ninguna relación aparente...
Y a mi que me ha hecho mucha ilusión ver esta película en Nueva York. Que la obra de un francotirador como Portabella se proyecte en un cine de Manhattan es de las cosas que más emocionan a uno; así como leer la magnífica crítica que le dedicó el NYTimes a esta película.
Los de NY: no os la perdáis (queda una semana). Los de Barcelona: si no habeis visitado los cine Verdi, corred. Según parece Portabella se niega a editar su obra en DVD...
Por cierto, ahora que hablo de poesía visual... yo me pregunto si el ratolincillo que se paseaba libremente entre las sillas de este cine de Nueva York antes de que empezara la película formaba parte de la perfomance fílmica...(Bach sonaba de fondo)
Pere Portabella junto con Carles Santos y Xavier Albertí se plantean en esta producción catalano-alemana como plasmar estos silencios de Bach en el celuloide... y lo hacen de una manera muy sutil, llena de poesía visual como en este bellísimo momento grabado en el metro de Barcelona...
... o en este otro donde la música nos hace conectar dos imágenes que no tienen ninguna relación aparente...
Y a mi que me ha hecho mucha ilusión ver esta película en Nueva York. Que la obra de un francotirador como Portabella se proyecte en un cine de Manhattan es de las cosas que más emocionan a uno; así como leer la magnífica crítica que le dedicó el NYTimes a esta película.
Los de NY: no os la perdáis (queda una semana). Los de Barcelona: si no habeis visitado los cine Verdi, corred. Según parece Portabella se niega a editar su obra en DVD...
Por cierto, ahora que hablo de poesía visual... yo me pregunto si el ratolincillo que se paseaba libremente entre las sillas de este cine de Nueva York antes de que empezara la película formaba parte de la perfomance fílmica...(Bach sonaba de fondo)
1/25/2008
Qué verde era mi valle
Y que yo de cada vez me creo menos a John Ford cuando decía aquello de "no me pregunte, yo solamente dirijo westerns". Ayer vi "Que Verde Era Mi Valle", vaya auténtica obra maestra. Película imprescindible: condensa lo mejor de John Ford (la peli ganó 5 Oscar)... Cada plano, es un cuadro.
1/21/2008
Post 522: Otra Película Imprescindible
Vaya peliculón le ha salido a Julian Schnabel. "The Diving Bell and the Butterfly" es otra de las películas que uno no se debe dejar escapar de la cartelera.
El film está basado en la historia real de Jean-Dominique Bauby, editor de la revista Elle, quien sufrió un infarto cerebral que lo dejó paralítico (locked in) a la edad de 43 años. Julian Schnabel usó el libro que Bauby dictó usando un particular lenguaje ocular (y que se publicó siete días antes de su muerte) como base de esta increíble película.
El "Kino-Eye" fue un invento teórico de los avantguardistas rusos. Para ellos, la cámara cinematográfica era un invento perfecto que poseía mejores cualidades que el ojo humano. Pues bien, "The Diving Bell and the Butterfly", es un poderoso ejemplo del uso de la camara en modo subjetivo. El dispositivo narrativo ideado por Schnabel crea una correspondencia directa entre la camara y el personaje de Bauby. De este modo, el espectador ve lo que mira Bauby compartiendo la manera en que Bauby mira y trata de entender una nueva realidad.
Bergman no ha muerto. "The Diving Bell and the Butterfly" no es solamente un ensayo sobre el rostro humano, sinó que es un ensayo sobre como el ojo humano crea imágenes (atentos a la fotografía de Januzs Kaminsk, colaborador habitual de Spielberg, ya que merece ser vista en pantalla grande).
Las comparaciones son odiosas. Me imagino que en España todo el mundo la comparará con "Mar Adentro". Aquí va mi titular: "The Diving Bell and The Butterfly" es mucho más inteligente, más bella, más positiva, más hermosa y más llena de vida que la producción dirigida por Aménabar.
1/20/2008
Sweeney Todd
Bueno, bueno, bueno... hacía tiempo que no salía tan contento del cine. Hacía tiempo que una película no me hacía gritar un "Uau" durante la proyección. Hacía tiempo que no sentía esa agradable sensación de estar pensando en un film horas después de su proyección.
"Sweeney Todd", la maravillosa película de Tim Burton lo consiguió. Siento no ser objectivo pero creo que es esta una de las mejores películas de este año (y me atreviría a decir de la época). Y es que en esta producción todo funciona...
Tim Burton sabe pasar por su filtro un texto maravilloso escrito mano-a-mano por Hugh Wheeler y Stephen Sondheim. Y en la adapatación que ha hecho Burton hay algo más que una simple traslación del escenario a la pantalla: El Sweeney de Burton no es un simple Sweeney: es un Sweeney realmente sanguinario.
En la Universidad me explicaron que los títulos de crédito siempre dan una pauta para entender una película... Así empieza Sweeney
Sangre, sangre y más sangre. Según el crítico del NYTimes, este sanguinario Sweeney Todd debe contextualizarse usando el presente que vive el país. Las torturas de Abu Ghraib y el conflicto de Irak no dejan de recordarnos que "el hombre es un lobo para el hombre". Como dice este "Sweeney Todd": "we all deserve to die"
Si analizamos la filmografía de Burton encontraremos un carácter que se repite (en todos los casos interpretados por el alter-ego Depp): es la figura del hombre-apartado-de-la-sociedad. Ed Wood, Eduardo Manostijeras o Charly son personajes naïves que no buscan dañar. Por el contrario, Sweeney Todd es un ser solitario, que sigue siendo no-entendido pero que quiere (y lo hace concienzudamente) HERIR.
Más aciertos: el cásting. Yo no me puedo creer que el señor Depp no hubiera cantado antes...aquí en solitario
... aquí con Alan Rickman
... aquí con Helena Bonham Carter
Pero es que incluso los secundarios cantan bien... aquí tenemos al renacuajo Ed Sanders cantando "Not While I'm around"
Creo que me estoy pasando de longitud de post... pero... la orquestración de "Sweeney Todd" me parece acertadísima (Cristian, cuando veas la peli entenderás porqué la Balada de Sweeney Todd desaparece)... También quiero destacar la dirección de fotografía, decorados, etc...
En resumen, magnífica película: no se la pierdan.
Espero que se lleve muchos Oscar, se los merece.
"Sweeney Todd", la maravillosa película de Tim Burton lo consiguió. Siento no ser objectivo pero creo que es esta una de las mejores películas de este año (y me atreviría a decir de la época). Y es que en esta producción todo funciona...
Tim Burton sabe pasar por su filtro un texto maravilloso escrito mano-a-mano por Hugh Wheeler y Stephen Sondheim. Y en la adapatación que ha hecho Burton hay algo más que una simple traslación del escenario a la pantalla: El Sweeney de Burton no es un simple Sweeney: es un Sweeney realmente sanguinario.
En la Universidad me explicaron que los títulos de crédito siempre dan una pauta para entender una película... Así empieza Sweeney
Sangre, sangre y más sangre. Según el crítico del NYTimes, este sanguinario Sweeney Todd debe contextualizarse usando el presente que vive el país. Las torturas de Abu Ghraib y el conflicto de Irak no dejan de recordarnos que "el hombre es un lobo para el hombre". Como dice este "Sweeney Todd": "we all deserve to die"
Si analizamos la filmografía de Burton encontraremos un carácter que se repite (en todos los casos interpretados por el alter-ego Depp): es la figura del hombre-apartado-de-la-sociedad. Ed Wood, Eduardo Manostijeras o Charly son personajes naïves que no buscan dañar. Por el contrario, Sweeney Todd es un ser solitario, que sigue siendo no-entendido pero que quiere (y lo hace concienzudamente) HERIR.
Más aciertos: el cásting. Yo no me puedo creer que el señor Depp no hubiera cantado antes...aquí en solitario
... aquí con Alan Rickman
... aquí con Helena Bonham Carter
Pero es que incluso los secundarios cantan bien... aquí tenemos al renacuajo Ed Sanders cantando "Not While I'm around"
Creo que me estoy pasando de longitud de post... pero... la orquestración de "Sweeney Todd" me parece acertadísima (Cristian, cuando veas la peli entenderás porqué la Balada de Sweeney Todd desaparece)... También quiero destacar la dirección de fotografía, decorados, etc...
En resumen, magnífica película: no se la pierdan.
Espero que se lleve muchos Oscar, se los merece.
1/19/2008
En Salamanca Matan Al Presidente de Estados Unidos
Estoy en estado de choque. Hoy he ido a ver "Swenney Todd" (explico peli en el próximo post) pero en el maravilloso tiempo de los trailers, he visto una previa que me ha dejado sin oxígeno.
Atentos porqué Salamanca vuelve al ruedo (y no por los papeles) sinó porqué en esta población asesinan tatxan tatxan...
al Presidente de Estados Unidos!!!!!!!!!
Sucede en una película llamada "Vantage Point". Y yo que cuando he visto toda la Plaza Mayor llena de banderas españolas pensé: ¿que hacen los yankees en un meeting del PP? o ¿porqué quieren asesinar al presidente Español? Pues no, España es el país elegido para que maten a un presidente americano!
Sin lugar a dudas, esta película es lo que hacía falta para terminar de arreglar las debilitadas relaciones entre España y Estados Unidos...
Atentos porqué Salamanca vuelve al ruedo (y no por los papeles) sinó porqué en esta población asesinan tatxan tatxan...
al Presidente de Estados Unidos!!!!!!!!!
Sucede en una película llamada "Vantage Point". Y yo que cuando he visto toda la Plaza Mayor llena de banderas españolas pensé: ¿que hacen los yankees en un meeting del PP? o ¿porqué quieren asesinar al presidente Español? Pues no, España es el país elegido para que maten a un presidente americano!
Sin lugar a dudas, esta película es lo que hacía falta para terminar de arreglar las debilitadas relaciones entre España y Estados Unidos...
1/17/2008
3 semanas en cultura (I): Audiovisuales
Voy a hacer una recapitulación de lo que he visto últimamente.
"No Country for Old Man"
Javier Bardem acaricia Hollywood en una película correcta pero no muy emocionante de los hermanos Cohen (aunque la comparan con Fargo, creo que esta es mucho mejor que "No Country)
"Persepolis"... una de las mejores películas que he visto en mi vida. Me gusta como la animación (la abstracción) puede ser más realista que cualquier film de época. Yo me pregunto... ¿alguien se atreverá a hacer la versión cinematográfica del cómic "Maus"?
"Atonement", buena película aunque noté en falta la agresividad de la narrativa de Ian McEwan. Tiene muchos elementos para llevarse unos cuantos Oscar.
"The Corporation". Magnífico ejemplo de como la forma documental puede tratar un tema duro como la economía sin perder el gancho.
"Vera Drake". Creo que es la cuarta vez que veo este film. Elvi, gracias por descubrirme esta joya. Magnífico ejemplo de cine realista: puedes creerte la interpretación de todos sus actores. Film imprescindible en España tras la polémica de las clínica que realizaban abortos de manera ilegal.
Y si Vera Drake nos lleva al más puro realismo, Hayao Miyazaki no deja de ser realista abrazando la más pura fantasía con este cuento sobre el paso de la infancia a la adolescencia.
"Las invasiones bárbaras", magnífica e inteligente comedia. Que diálogos más estupendos!
"When the Leeves Broke", un requiem en cuatro actos dirigido por Spike Lee. Magnífico documental de cuatro horas sobre el Huracan Katrina. Ver este documental (sigue una clara línea cronologica: antes-durante-después) es el mejor ejemplo para no olvidar lo desastrosa que ha sido la gestión de George Bush.
"No Country for Old Man"
Javier Bardem acaricia Hollywood en una película correcta pero no muy emocionante de los hermanos Cohen (aunque la comparan con Fargo, creo que esta es mucho mejor que "No Country)
"Persepolis"... una de las mejores películas que he visto en mi vida. Me gusta como la animación (la abstracción) puede ser más realista que cualquier film de época. Yo me pregunto... ¿alguien se atreverá a hacer la versión cinematográfica del cómic "Maus"?
"Atonement", buena película aunque noté en falta la agresividad de la narrativa de Ian McEwan. Tiene muchos elementos para llevarse unos cuantos Oscar.
"The Corporation". Magnífico ejemplo de como la forma documental puede tratar un tema duro como la economía sin perder el gancho.
"Vera Drake". Creo que es la cuarta vez que veo este film. Elvi, gracias por descubrirme esta joya. Magnífico ejemplo de cine realista: puedes creerte la interpretación de todos sus actores. Film imprescindible en España tras la polémica de las clínica que realizaban abortos de manera ilegal.
Y si Vera Drake nos lleva al más puro realismo, Hayao Miyazaki no deja de ser realista abrazando la más pura fantasía con este cuento sobre el paso de la infancia a la adolescencia.
"Las invasiones bárbaras", magnífica e inteligente comedia. Que diálogos más estupendos!
"When the Leeves Broke", un requiem en cuatro actos dirigido por Spike Lee. Magnífico documental de cuatro horas sobre el Huracan Katrina. Ver este documental (sigue una clara línea cronologica: antes-durante-después) es el mejor ejemplo para no olvidar lo desastrosa que ha sido la gestión de George Bush.
12/04/2007
A proposito de un comment: eternidad
Miriam, tu comentario me ha hecho recordar una de las frases miticas atribuidas a Alfred Hitchock. En ella, el director britanico decia que cualquier escena de "beso" en un film se transforma en un tiempo muerto. Dicho de otro modo: cuando dos personajes se besan el tiempo se pausa.
Que haga un comentario uno de los inventores del suspenso/sorpresa cinematografica (ambas basadas en el sabio manejo del tiempo) no es casual ya que en sus peliculas los besos no abandonan la pantalla.
VERTIGO
LA VENTANA INDISCRETA
ENCADENADOS
RECUERDA
Que haga un comentario uno de los inventores del suspenso/sorpresa cinematografica (ambas basadas en el sabio manejo del tiempo) no es casual ya que en sus peliculas los besos no abandonan la pantalla.
VERTIGO
LA VENTANA INDISCRETA
ENCADENADOS
RECUERDA
11/29/2007
Las burbujas de Scorsese
Habia mucha expectacion: El oscarizado Martin Scorsese dirigiendo un anuncio de Cava Catalan rodado en Nueva York.
Y la polemica creo que esta servida. Y es que tras visionarlo muchas veces no me queda claro si la gente entendera de que va la pelicula: ¿es realmente un anuncio de Champagne o un homenaje al septimo arte? En otras palabras: ¿es un anuncio efectivo?
A falta de ver las versiones mas cortas del anuncio yo diria que no. ¿Es Martin Scorsese suficientemente conocido en España? ¿No tendra el anuncio una estructura dramatica demasiada compleja: cineasta descubre historia inacabada y quiera completarla a la maniera de Alfred Hitchcock). A pesar de vivir en la inmaterial epoca del Branding donde los productos de consumo han sido casi sustituidos por algo intangible como la marca, creo que el anuncio de este año (a pesar de gustarme mucho) no otorga a la marca Freixenet con este plus (puede que en Estados Unidos si, pero)
Y mientras reveo el anuncio yo no paro de preguntarme... ¿quien aparece en pantalla no sera Woody Allen disfrazado de Martin Scorsese?
11/08/2007
Resurreccion
Vi "Ordet" (traducida en España como "La Palabra") hara unos siete años en Barcelona. Era una noche fria de noviembre. Lo recuerdo porque los crisantemos de todos los santos no paraban de abandonar las pequeñas pantallas de los televisores.
Vi "Ordet" en la Filmoteca de Cataluña solo y creo que nunca una pelicula me ha dejado tan tocado como lo hizo este film. "Ordet" esta llena de silencios y de pocas palabras, donde la inmobilidad da mas informacion que la accion.
"Ordet" es un film tremendamente espiritual que tiene una de las secuencias mas hermosas de la historia del cine. Merece la pena perder ocho minutos e intentar que el tempo de Dreyer se apodere de uno. Ver como Dreyer presenta lo irrepresentable (la resucitacion de alguien) es una demostracion mas de los poderes metafisicos del cinematografo.
10/14/2007
Fin de Semana de Cine
El New York Film Festival termina con el inicio del frio. El viento vuelve a hacer rugir a la fiera de Manhattan y la ciudad, gradualmente, va sustituyendo la calidez del verano por los grises del octubre.
Pero por suerte aqui esta Carlos Saura y su espectacular "Fados" (atentos Espana, se estrena a finales de noviembre) para hacer esta transicion un poco mas facil. "Fados" es una pelicula hermosa que termina una trilogia que empezo con "Tango" y continuo con "Flamenco".
"Fados" es una pelicula que tiene uno de los planos secuencias finales mas hermosos de los que yo he visto. Objetivo con objetivo, lente con lente, "Fados" es una gran ficcion musical en la que Carlos Saura no le importa mostrar el artificio: espejos que doblan la imagen, proyecciones sobreimpuestas, travellings imposibles que van descubriendo fotografias gigantes de Lisboa, llenan de color la "saudade" que impregna las canciones.
Aplausos en el New York Film Festival en la premiere americana de una pelicula que espero que tenga un buen recibimiento en Espana.
Domingo de otono. Una del mediodia. Jazz at Lincoln Center. Asisto al estreno de un documental maravilloso (podria inaugurar la Mostra de Cinema Llationamerica de Lleida?).
"Calle Santa Fe" esta dirigida por Carmen Castillo, militante del MIR (el partido de izquierdas de Chile que se opuso a la dictadura de Pinochet) que, embarazada, herida y sin marido (asesinado por los militares del dictador) tiene que exiliarse a Paris.
"Calle Santa Fe" es una pelicula de reencuentros y de luchas de memorias encontradas en el que Carmen Castillo construye un documental con muchos planos de significacion baleados por el concepto de memoria: "Los ojos, sin la memoria, no ven nada", proclama la directora quien, a su vez, es la protagonista de este documental.
Terminada la proyeccion, tengo la oportunidad de conversar con la directora. Le digo que mas que un documental su pelicula es, para mi, un poema sobre la memoria y ella me contesta explicandome la lucha de memorias que aun existe en Chile.
Ya en la universidad (donde estoy ahora) googleo su nombre, y descubro que ella era la directora de "La Flaca Alejandra", un documental que vi en Barcelona en la que Castillo da la voz a una acusada de delatar a sus companeros del MIR mientras era torturada por los militares de Pinochet. Aqui esta algun fragmento del docu...
Pero por suerte aqui esta Carlos Saura y su espectacular "Fados" (atentos Espana, se estrena a finales de noviembre) para hacer esta transicion un poco mas facil. "Fados" es una pelicula hermosa que termina una trilogia que empezo con "Tango" y continuo con "Flamenco".
"Fados" es una pelicula que tiene uno de los planos secuencias finales mas hermosos de los que yo he visto. Objetivo con objetivo, lente con lente, "Fados" es una gran ficcion musical en la que Carlos Saura no le importa mostrar el artificio: espejos que doblan la imagen, proyecciones sobreimpuestas, travellings imposibles que van descubriendo fotografias gigantes de Lisboa, llenan de color la "saudade" que impregna las canciones.
Aplausos en el New York Film Festival en la premiere americana de una pelicula que espero que tenga un buen recibimiento en Espana.
Domingo de otono. Una del mediodia. Jazz at Lincoln Center. Asisto al estreno de un documental maravilloso (podria inaugurar la Mostra de Cinema Llationamerica de Lleida?).
"Calle Santa Fe" esta dirigida por Carmen Castillo, militante del MIR (el partido de izquierdas de Chile que se opuso a la dictadura de Pinochet) que, embarazada, herida y sin marido (asesinado por los militares del dictador) tiene que exiliarse a Paris.
"Calle Santa Fe" es una pelicula de reencuentros y de luchas de memorias encontradas en el que Carmen Castillo construye un documental con muchos planos de significacion baleados por el concepto de memoria: "Los ojos, sin la memoria, no ven nada", proclama la directora quien, a su vez, es la protagonista de este documental.
Terminada la proyeccion, tengo la oportunidad de conversar con la directora. Le digo que mas que un documental su pelicula es, para mi, un poema sobre la memoria y ella me contesta explicandome la lucha de memorias que aun existe en Chile.
Ya en la universidad (donde estoy ahora) googleo su nombre, y descubro que ella era la directora de "La Flaca Alejandra", un documental que vi en Barcelona en la que Castillo da la voz a una acusada de delatar a sus companeros del MIR mientras era torturada por los militares de Pinochet. Aqui esta algun fragmento del docu...
10/08/2007
Promesas del Este
Al senyor David Cronenberg li ha sortit una autentica obra mestra. Despres que ens ensenyes fa un parell d'any "Una Historia de Violencia", Cronemberg continua mostrant-nos el costat salvatge de la vida amb aquesta pel·licula "Promesas del Este" que, tot sent fidels als mecanismes dramatics i a les convencions de les pel·licules centrades en el mon de la mafia, ens mostra amb una precisio digna de bisturi una autopsia de com funciona aquesta institucio quan parla amb accent rus.
Per cert, aquesta pel·licula olora a OSCAR, Vigo Mortensen esta extraordinari.
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